Como hacer un comic

Si eres fanático de la animación y el dibujo, puede que también estés interesado en los cómics. Con una inmensa variedad de títulos para todas las edades y gustos, la industria de los cómics tiene hoy en día un valor estimado de $1.21 billones de dólares. Por supuesto, la mayoría de esas ganancias son por parte de compañías internacionales como Marvel y DC, pero tampoco significa que artistas independientes no puedan triunfar. Así que si alguna vez has tenido ganas de hacer un cómic o estás buscando formar parte de esta industria billonaria, esta información podría serte de gran interés.

Durante la última edición de la Comic-Con, el reconocido artista Brian Haberlin dio una conferencia exclusiva acerca de cómo hacer un cómic de inicio a fin por ti mismo. Y Haberlin sabe muy bien de lo que habla, ya que es un artista e ilustrador con más de 25 años de experiencia en la industria de los cómics. Además ha colaborado en títulos reconocidos como Spawn, Witchblade, Sonata, Vampirella y The Marked. ¿Cómo trabajar con distintos paneles y crear composiciones interesantes? ¿Un cómic debe estar siempre a color? ¿Por donde iniciar al hacer un cómic? Aquí te tenemos la información respecto a todo lo que Haberlin tuvo que decir.



EL INICIO DE HACER UN CÓMIC

Como hacer un comic

Todos los cómics surgen a partir de algo fundamental: una idea. Y en opinión de Haberlin, tus ideas no deben estar enfocadas en hacer lo que todos los demás están haciendo porque es la moda del momento. Tampoco debes enfocarte en querer hacer dinero de manera rápida. Este tipo de enfoques resultan erróneos y si realmente tienes las ganas de hacer un cómic, tus ideas e intenciones deben ser genuinas. Después de todo, Haberlin admite que hacer un cómic es bastante trabajo en realidad, así que no esperes que sea algo rápido y fácil.

Tu idea debe ser intrigante, motivandote a desarrollarla y a tus lectores a descubrirla. Haberlin recomienda tener un pequeño diario que puedas llevar contigo siempre, ya que las ideas pueden llegar en cualquier momento, incluso a mitad de la noche antes de dormir. También debes estar abierto a recibir sugerencias, ya que puede que alguien más llegue con un proyecto o colaboración que puede resultar interesante. Lo ideal es poder hacer las labores de escritor y artista, pero si no siempre ayuda tener a alguien que te apoye.

Una vez que tengas tu idea, debes bajarla y comenzar a desarrollar tu historia y personajes. Según Haberlin, crear buenos personajes es el elemento más importante de hacer un cómic.

“Puede que estés haciendo la edición #30 de tu cómic y no se te ocurran ideas interesantes para avanzar la historia. Pero si al menos tienes buenos personajes, la gente leerá tu cómic para saber qué sucede con ellos”. – Brian Haberlin, artista en la industria del cómic.

Es fundamental contar con un buen diseño de personajes, que formen parte del mundo que intentas crear, sea uno realista, de fantasía o ciencia ficción. Conforme desarrolles tus personajes, debes considerar que sobre la marcha habrán de sufrir cambios, ya sea en su personalidad o su apariencia para mantener las cosas interesantes.

Al hacer un cómic, Haberlin también sugiere tener hojas con información detallada de todos los personajes. Sus rasgos más característicos, personalidad, que les gusta, que les desagrada y de qué manera se relacionan entre sí. Y por último, un secreto importante que forma parte de su persona y que ocultan de los demás.

Después de todo, Haberlin piensa que esto funciona de igual manera en la vida real: todos tenemos secretos que guardamos de los demás. Y de esta manera, puedes usar estos secretos para ir avanzando tu historia y hacerla más impactante cuando sea momento de revelarlos.

 

DESARROLLANDO LA HISTORIA DE UN CÓMIC

Al comenzar a hacer un cómic y escribir tu historia, lo importante es anotar todas tus ideas y formar un borrador que te pueda servir. Así que Haberlin recomienda que no te preocupes por la ortografía o sintaxis, ya que esos son detalles que podrás corregir después. Por ejemplo, antes de definir el concepto e historia de Sonata, Habelin tenía una historia diferente que en ese entonces se llamaba “Lost World”. Después de terminar de apuntar sus ideas y visión general, fue que pudo ir afinando detalles hasta tener un concepto más claro.

Posteriormente toma ese concepto y platicalo con otros artistas, de modo que puedan darte su opinión y ayudarte a terminar de pulir la historia. También puedes acudir con personas que pienses formarían parte de la audiencia a quien vaya dirigido tu cómic.

En cuanto a tu historia, Haberlin recomienda que escribas todos los aspectos más fundamentales así como la idea general de ella en 20 a 30 páginas. Así tendrás un documento sencillo que usar como referencia al momento de hacer tu cómic y no perder de vista la trama o los elementos más esenciales.

Cuando estés iniciando a hacer un cómic, debes mantener la historia de manera lineal y sencilla, que sea fácil de entender. Introduce a tus personajes, sus orígenes y motivaciones así como rol en la historia, antes de comenzar a meter giros inesperados o hacer la narrativa más complicada. Pero tampoco te limites demasiado, ya que Haberlin comenta que hay diversas maneras ingeniosas de introducir tu historia.

Tal vez comiences con un flashback que explique los sucesos que dieron origen a la historia. O quizás decidas comenzar el relato desde la perspectiva de un personaje secundario antes de introducir a tu protagonista.

 

ELIGIENDO UN ESTILO DE ARTE

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Además, al hacer un cómic, debes tener en cuenta las imágenes que usarás para presentar el estilo visual de tu historia. Ya sea sencillo o realmente elaborado, tu estilo de dibujo debe adecuarse a la historia que quieres contar y el mundo donde se va a desarrollar.

“Elegir tu estilo de arte y a tus personajes es como hacer el casting para una película. Podrás tener la mejor historia del mundo, pero si a la gente no le gustan los actores que aparecen en ella, puede que no triunfe”. – Brian Haberlin, creador de la saga de comics Witchblade.

Puedes optar por usar un estilo influenciado por el manga o incluso más enfocado al arte de libros infantiles. Si no tienes tanta experiencia dibujando, Haberlin comenta que es importante elegir un estilo de arte que también te sea fácil de producir. Ya que de todas formas, conforme hagas más cómics, obtendrás la experiencia que te permitirá mejorar tu nivel de dibujo y así refinar el estilo de arte en tu historieta.

Y si bien la gran mayoría de los cómics son a color, Haberlin asegura que no es indispensable hacer el tuyo de esta manera. Citando como ejemplos a Sin City y The Walking Dead, Haberlin comenta que hay grandes cómics que lograron triunfar a pesar de estar en un formato a blanco y negro.

¿Qué pasa si eres un escritor que quiere hacer un cómic pero no sabes dibujar? Siempre puedes buscar la ayuda de algún amigo o conocido que sea artista, o buscar colaboradores en grupos de facebook o páginas especializadas como ArtStation y Deviant Art. Y si bien puede ser más complicado, Haberlin asegura que lo mismo aplica para artistas que estén buscando escritores para colaborar en su proyecto.

Si crees poder hacerlo por ti mismo, también puedes intentar hacer toda la labor de escribir y dibujar por tu cuenta. Pero por supuesto, es mucho más complicado y pesado de hacer un cómic así. Además, es mejor tener a alguien más que pueda brindar una perspectiva diferente y ayudarte a refinar ideas.



LA COMPOSICIÓN DE UNA PÁGINA PARA HACER UN CÓMIC

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Digamos que ya tienes tu historia y tu estilo de arte, ¿qué sigue? Hora de juntarlos en un solo borrador que pueda servirte como base para hacer un cómic. Primero que nada, Haberlin comenta que debes escribir un guión sencillo de lo que va a suceder en tu cómic. Puedes dividirlo ya sea por páginas o paneles, pero lo importante es que menciones lo fundamental que ocurre en cada uno: qué personajes aparecen, qué están haciendo, donde se encuentran.

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Una vez que tengas tu guión listo, Haberlin recomienda tomar la porción de texto correspondiente a un panel y comenzar a dibujar a un lado. De esa forma puedes ir plasmando de manera visual lo que se necesita para cada panel y escena. No tiene que ser nada muy detallado, lo importante es presentar la idea general.

Por supuesto, Haberlin reconoce que puede ser difícil hacer la composición de la página y elegir el formato de los paneles. Por esto sugiere que no te compliques demasiado y te adhieras a lo básico. Al hacer un cómic algo muy importante es que sea legible y fácil de entender.

También debes tener en cuenta cuales paneles son más importantes y cuales tendrán una mayor cantidad de elementos dentro. De esta manera puedes elegir el tamaño de los paneles según su prioridad. Otro punto importante a tener en cuenta es el tamaño de la hoja donde estás trabajando.

Por un lado, un cómic en físico tiene medidas específicas para la composición de sus páginas pero si trabajas de manera digital, Haberlin reconoce que tienes mayor libertad y puedes usar el tamaño que quieras. Sin embargo, debes mantener una resolución suficientemente buena como para que puedas imprimir tu cómic en caso de ser necesario. Haberlin recomienda que al menos se trabaje con 400 dpi.

Otro detalle importante que te hará mejorar tu trabajo al hacer un cómic, es pensar en la compaginación. Esto quiere decir, en la manera en que las páginas se unen entre sí para formar el cómic. Esto aplica sobre todo en cómics impresos, donde debes ir presentando los paneles a través de la página, pero reservar alguna revelación importante para la siguiente hoja. De modo que el lector comience a generar interés por saber qué ocurre y tenga que dar vuelta a la hoja para averiguarlo, en lugar de tenerlo en la página de al lado y arruinar el suspenso.

En este punto, Haberlin comenta que si vas a trabajar en un cómic impreso, también debes familiarizarte con el proceso de preprensa para saber acerca de las líneas de corte y sangrado en tu hoja. Estos son los espacios donde la impresión se detiene y el papel será cortado y engrapado o empastado para formar el libro del cómic o novela gráfica. ¡Es importante conocer el espacio de trabajo del que dispones al hacer un cómic!

Por otro lado, si vas a hacer un cómic de manera digital, Haberlin comenta que los programas de ilustración más recomendados son Photoshop, Clip Studio Art y Procreate. Si vas a hacer tus dibujos a mano para después retocarlos en computadora, asegurate de escanearlos con una buena resolución y en modo de color rgb, aún si se trata de dibujos a blanco y negro. Esto le dará una mejor calidad a la imagen.

Por último, Haberlin recomienda que si bien manejes la composición de tus paneles de manera básica, los dibujos en ellos los vuelvas más dinámicos. No dibujes a todos los personajes del mismo tamaño, centrados y desde el mismo ángulo. Haz tu página más interesante moviendo los elementos a un extremo, haciendo tomas cerradas, usando espacios negativos y dibujando a los personajes desde distintas posiciones. Y cuando tengas algo realmente importante que dibujar, puedes utilizar incluso toda la página para ello.

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UNA ÚLTIMA REVISIÓN

Una vez que hayas dibujado todo el arte necesario para hacer un cómic, creerás que ya has terminado. Así como un storyboard se revisa al estar listo, de igual manera los dibujos de un cómic se inspeccionan también. En ambos casos, lo que se hace es tomar los dibujos hechos por el artista y se comparan con el guión que estaba escrito originalmente. De esta manera uno se asegura que el mensaje y la historia se transmite de manera adecuada.

Sobretodo si trabajas en un equipo con otros artistas, es normal que algunos no sigan al pie de la letra el guión que fue establecido. Esto no es necesariamente malo, pues pueden tener ideas que de hecho ayuden a mejorar la historia o la manera en que está se presenta visualmente.

Pero de todos modos es necesario evaluar el arte, pues puede ser que un artista no dibujara algo de la manera que el escritor considera realmente importante. Y si decides hacer un cómic por tu propia cuenta, aún así no está de más revisar tu guión una vez más para asegurarte que dibujaste todos los elementos importantes según habías imaginado tu historia en un principio.

 

APLICANDO EL LETTERING AL HACER UN CÓMIC

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Finalmente terminaste de presentar tu historia de manera visual. La composición de la página es correcta y haces buen uso de los paneles. Los dibujos cumplen con lo requerido del guión. ¿Qué sigue? El lettering, que es aplicar todos los diálogos y textos en los paneles.

Para esto, Haberlin recomienda un programa llamado Comic Life. Si bien esta herramienta es de paga, él asegura que es la mejor para hacer lettering de manera rápida y sencilla, aunque también existen otras opciones disponibles. Comic Life te permite aplicar diversos globos de diálogo, conectarlos entre sí, ajustar los tamaños e incluso utilizar onomatopeyas.

Lo importante es que le des el impacto necesario al texto de modo que se complemente con la imagen de cada panel. Y por supuesto, que todos los diálogos sean legibles y fáciles de entender.



DISEÑAR LA PORTADA DE TU CÓMIC

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Por último pero no menos importante, ¡debes hacer una portada atractiva e interesante para tu cómic! Aún si la historia es realmente intrigante y los dibujos son estupendos, nadie va a ver tu cómic si la portada no les llama la atención.

Lo primero que debes hacer es colocar el logo o título de tu cómic en la parte superior, para que sea lo primero que lean e identifiquen. De nuevo, es importante que el título sea legible, así que Haberlin recomienda que no hagas un logo demasiado complicado, sino uno sencillo y fácil de recordar.

En cuanto a la imagen, por supuesto que también debe ser impactante y llamativa. Si los dibujos de tu portada no motivan al lector a ver lo que sigue, difícilmente la gente va a querer leer tu cómic. Según Haberlin, la imagen de la portada no tiene que ser necesariamente acerca de lo que sucede en la edición en específico de tu cómic.

De manera similar al poster de una película, Haberlin recomienda que te concentres en hacer un diseño visualmente atractivo, que represente a tus personajes y el mundo donde se desarrolla tu historia. Conforme tu cómic comience a adquirir popularidad, puedes experimentar y hacer variantes de tu portada.

 

Con información de Waiting for Trade y Digital Art Tutorials.