Si eres fanático de la animación y el dibujo, puede que también estés interesado en los cómics. Con una inmensa variedad de títulos para todas las edades y gustos, la industria de los cómics tiene hoy en día un valor estimado de $1.21 billones de dólares. Por supuesto, la mayoría de esas ganancias son por parte de compañías internacionales como Marvel y DC, pero tampoco significa que artistas independientes no puedan triunfar. Así que si alguna vez has tenido ganas de hacer un cómic o estás buscando formar parte de esta industria billonaria, esta información podría serte de gran interés. A continuación te compartimos una breve guía para artistas de cómics: con tips para impulsar tu carrera, desarrollar un estilo propio, armar un buen portafolio y dar a conocer tu trabajo en la industria.
Esta información es proporcionada por ArtStation Magazine, donde se entrevistó a diversos artistas de cómics profesionales tales como Ann Maulina, Claudya Schmidt, Daniel Lieske, Marguerite Sauvage y Ryan Smallman. Todos ellos son artistas reconocidos que han trabajado en diversos cómics e incluso algunos han publicado sus propias novelas gráficas. Y si también te interesa aprender el proceso para hacer tu propio cómic profesional de inicio a fin, entonces te sugerimos leer nuestra nota al respecto haciendo clic aquí.
Consejos para un Buen Portafolio
Arte de Ryan Smallman. Imagen propiedad de Sony Pictures Entertainment.
En palabras de Ann Maulina, el portafolio de los artistas de cómics debe ser capaz de presentar imágenes atractivas e interesantes a la vez que se maneja un sentido de narrativa visual. Es decir, que tus dibujos sean capaces de contar una historia por sí mismos. Esto se puede lograr mediante diversos elementos como la composición de cada panel, el encuadre y la elección de colores así como las poses y expresiones de tus personajes.
Y es que según explica Daniel Lieske, estas habilidades te pueden servir bastante incluso fuera de la industria de los cómics. Saber contar historias de manera visual puede ser de gran ayuda en el arte conceptual, diseño de personajes y escenarios o storyboard. Por otra parte, para que cada página de tu portafolio se destaque al máximo, debes tener mucha atención y cuidado en cada dibujo y panel presente. Ten en cuenta todos los componentes que forman parte de tu portafolio: desde obras completas hasta bocetos rápidos y piezas en proceso.
Por su parte, Ryan Smallman asegura que es vital que elijas tan sólo las mejores piezas para tu portafolio. También debes tener en cuenta cual es el enfoque que quieres darle de acuerdo a tus gustos como artista: ya sea a personajes o escenarios, entintado o aplicaciones de color. Además recomienda tener un balance de ilustraciones con personajes originales creados por ti así como representaciones de personajes icónicos.
La Importancia de Desarrollar tu Propio Estilo
Arte de Ann Maulina. Imagen propiedad de Titan Comics y Guerrilla Games.
Hablando de tener personajes originales, siempre es preferible tener también tu propio estilo característico. No obstante, tampoco es imprescindible según explica Ann: ya que en muchas ocasiones tienes que replicar el estilo artístico del cliente o compañía con quien vas a trabajar. En este sentido, afirma que es más importante tener un dominio claro de todos los fundamentos del dibujo. Por supuesto, si puedes tener tanto habilidades técnicas como un estilo propio, es aún mejor ya que ayuda a distinguir aún más tu trabajo.
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“Definitivamente puedes lograr entrar a la industria tan solo dibujando personajes ya establecidos e imitando el estilo de otros artistas. Pero son más los beneficios que obtendrás si te das el tiempo para crear algo completamente nuevo y original. Sobre todo cuando apenas estás iniciando tu carrera profesional, es la oportunidad perfecta para crear un proyecto y aprender todo el proceso directamente, lo cual también puede lucir bastante bien en tu portafolio de arte”. – Ryan Smallman, ilustrador freelance y artista de cómics.
En resumidas cuentas, se necesita un balance entre tu creatividad y originalidad así como la versatilidad de poder trabajar en una variedad de estilos para aumentar tus posibilidades de participar en toda clase de proyectos.
Las Ventajas del Networking
Arte de Marguerite Sauvage. Imagen propiedad de Spectrum Magazine.
Según afirma Ryan, tu trabajo será lo que determinará a final de cuentas que tan lejos puedes llegar en el medio. No obstante, crear lazos profesionales con otros artistas de cómics puede ser de gran ayuda. Especialmente en tiempos recientes donde muchos eventos en persona fueron cancelados por la pandemia, ya que todo se está desarrollando de manera virtual y remota. Daniel está de acuerdo con ello, explicando la importancia de estar presente en redes sociales y publicar tu trabajo digitalmente.
“El networking juega un papel muy importante hoy en día, especialmente si trabajas en proyectos independientes. Desarrollar tu propio estilo y presentarlo en toda clase de plataformas digitales puede ser cansado pero si persistes eventualmente obtendrás resultados”. – Claudya Schmidt, diseñadora de personajes y artista de cómics.
Maneras de Mejorar el Proceso Creativo
Arte de Ryan Smallman. Imagen propiedad de Lionsgate.
Si estás batallando demasiado en hallar la composición adecuada para un panel o ilustración, Claudya recomienda que tomes una hoja de papel y hagas pequeños bocetos rápidos. No importa si son garabatos y figuras básicas, lo importante es que determines la escala y posición de los elementos que necesitas trabajar. Esto te puede brindar una perspectiva diferente, de manera que seas capaz de realizar una mayor cantidad de bocetos de exploración en el menor tiempo posible.
Por su parte, Ryan asegura que es importante desarrollar tu propio proceso creativo y confiar en él. Cada artista tiene sus propios métodos y aunque puedes tomar ideas de otros profesionales, no siempre funciona de igual manera para todos. Una vez que estés familiarizado con tu propia rutina, te será más fácil medir los tiempos para cada actividad pendiente.
“Yo en lo personal no hago nada del proceso de entintado. Voy directamente de los bocetos y miniaturas a la hoja en blanco y negro, la cual presento ante el editor para validación antes de aplicar los colores. Si tienes dibujos bastante limpios y tu composición es lo suficientemente clara, puedes saltarte el proceso de entintado ya que consume demasiado tiempo”. – Marguerite Sauvage, ilustradora freelance y directora de arte.
Consejos para Artistas de Cómics Principiantes
Arte de Daniel Leiske para el aniversario de Wormworld Saga.
Si apenas vas iniciando tu carrera en la industria, Ann recomienda que te tomes el tiempo para experimentar con distintas técnicas así como estilos. Eventualmente hallarás una dirección artística en la cual te quieras especializar. Por su parte, Claudya afirma que es muy importante que plasmes todas tus ideas: ya sea que escribas la historia para tu siguiente proyecto o dibujes bocetos de personajes y escenarios que tienes en mente. Muestra tu trabajo a otros artistas y acepta todas las críticas constructivas de buena manera. Y si bien es importante que tus dibujos sean interesantes y visualmente atractivos, no olvides que es vital también que sean legibles y fáciles de entender.
“Mira atentamente lo que otros artistas están haciendo pero no te engañes creyendo que puedes seguir exactamente el mismo camino que ellos. Tienes que seguir tu propia dirección y ser paciente. Sigue practicando y mejora a tu propio ritmo. Enfócate en tus proyectos y no te presiones demasiado, ya que tienes un largo camino por recorrer”. – Daniel Lieske, artista digital y autor de novelas gráficas.
