No importa que aún estés estudiando o ya te encuentres trabajando: siempre es importante mantener tus conocimientos actualizados y seguir practicando. Esto es especialmente cierto cuando se trata de una industria tan competida como en el área de la animación. Es por ello que en esta ocasión te compartimos una lista de tips y fundamentos que pueden ayudarte a mejorar tus habilidades de animación.
Esta información es proporcionada por Toniko Pantoja, un veterano de la industria animada con 220,000 suscriptores en su canal en Youtube. Es ahí donde frecuentemente comparte consejos y habla de su experiencia laboral. Y es que aún cuando se trata de principiantes o profesionales, existen términos, procesos y conceptos que pueden resultar confusos. Nadie es perfecto y todos cometemos errores, por supuesto. Pero estos son algunos de los fundamentos que debes aprender con tal de evitar posibles errores en tu trabajo artístico y así mejorar tus habilidades de animación.
Rotoscopia y Referencias
Hay quienes piensan que utilizar referencias a la hora de dibujar es como hacer trampa. Y aunque ciertamente no puedes copiar tal cual el trabajo de otros, no hay nada de malo en usar referencias e inspiraciones para tu trabajo. Muchos profesionales en la industria lo hacen. Por un lado, pueden ser bastante útiles, ya que te pueden ayudar a definir elementos claves como una pose o expresión. Pero por otro lado, no quieres terminar haciendo una copia exacta de las imágenes que usaste como referencias y parecer que no eres creativo, o peor aún, que has cometido plagio. Si quieres aprender más, te sugerimos leer nuestra nota al respecto haciendo clic aquí.
Por otro lado, puedes mejorar tus habilidades de animación practicando la rotoscopia. Esta es una compleja técnica utilizada en el pasado, que involucra la grabación de escenas con personas reales, tras lo cual los animadores dibujaban trazando las escenas, cuadro por cuadro. Esto da como resultado una animación mucho más realista y vívida. Naturalmente, también te sirve para estudiar y entender el movimiento de las personas con mayor detalle.
Atractivo Visual y Dibujo Sólido
El tener habilidades de dibujo sólidas se refiere al aspecto técnico de una obra. Por ejemplo, el uso de distintos trazos, curvos y rectos, para crear armonía en un boceto. También está el peso de la línea, es decir, si esta es delgada o gruesa. Todo esto determina el orden en que el ojo va a fijar su atención en los distintos elementos, aún si es de manera inconsciente. Dependiendo de cuantos trazos incluyas, será que tan rápido o lento marques el ritmo en que la vista debe mirarlos para entender la composición general de tu dibujo.
Por otro lado, el atractivo visual se refiere al carisma inherente en un dibujo y que tan bien cumple su propósito. Si bien ambos términos suelen ir de la mano, no siempre es el caso. Cuando pensamos en “atractivo visual”, muchas veces viene a nuestra mente una imagen bonita y reconfortante. No obstante, un dibujo puede tener atractivo visual y ser un dibujo sólido, aún si se trata de un personaje feo y desagradable, siempre y cuando esta sea su función e intención. En este caso, podríamos pensar en el diseño de criaturas monstruosas.
Inbetweens y Fluidez en la Animación
Naturalmente, el uso de más dibujos entre fotogramas clave indica un mayor valor de producción y por lo tanto, una mejor calidad de animación.Sin embargo, también debes tener en cuenta el espacio y tiempo en las acciones que quieres representar. Este es otro de los principios básicos pero más fundamentales a la hora de mejorar tus habilidades de animación. Este proceso consiste en dividir una acción a la mitad cuantas veces sean necesarias y dibujar el movimiento intermedio entre cada una de ellas.
Pero tampoco agregues demasiados dibujos intermedios, ya que de lo contrario parecerá que tus personajes están flotando en la luna, moviéndose lentamente en cada acción. Por el contrario, usar menos dibujos en ciertas acciones puede ser mejor para causar mayor impacto. Todo depende del movimiento a realizar y el espacio necesario entre dibujos.
Tiempo y Espacio
De manera resumida, el tiempo se refiere a cuánto tarda en llevarse a cabo una acción específica. Por su parte, el espacio es la distancia entre cada dibujo, cuadro por cuadro. También debes tener en cuenta el ritmo con el que fluye tu animación. Es decir, la manera en que se desarrolla la escena.
Para que tus animaciones se vean más realistas y convincentes, el flujo de tus dibujos en secuencia debe ser similar al tiempo que le lleva a una persona hacer una acción en la vida real. Por ejemplo, si a una persona le toma 3 segundos lanzar una pelota, debes realizar suficientes dibujos para que la animación tenga esta misma duración.
Acciones Secundarias, Complementarias y Superpuestas
La acción secundaria es una capa sobre la acción principal, que se relaciona con la actitud, personalidad e intención del personaje. Por ejemplo, si la acción principal es caminar, la acción secundaria sería el modo en que el personaje camina: si dando brincos alegremente o dando pasos apesadumbrados.
La acción superpuesta se refiere al desfase del movimiento entre distintas partes del cuerpo (o incluso objetos ajenos a él). Por ejemplo en un ciclo de caminado el brazo se mueve hacia adelante, seguido por el antebrazo y por último la mano. Si la mano va agarrando un bolso, el bolso será el último objeto en avanzar.
Finalmente, la acción complementaria se relaciona principalmente a partes extras al cuerpo que lo van siguiendo y aún cuando el primero entre a un alto total, dichas partes se siguen moviendo debido a la inercia que llevan respondiendo directamente a la velocidad, a su masa y su volumen. Por ejemplo, una capa, una falda o el cabello largo de un personaje. Estos son algunos de los 12 principios fundamentales de la animación y si quieres aprender más al respecto, te sugerimos leer nuestra nota haciendo clic aquí.
