Esta semana dio inicio el Festival de Animación Annecy 2020, el cual no sólo celebra su 60 aniversario sino que por primera vez en la historia se presenta de manera online. Esta nueva edición del evento se llevará a cabo del 15 al 30 de junio, con dos semanas de contenido inédito en cortometrajes, películas animadas, series de televisión y proyectos de realidad virtual y de las cuales estaremos compartiendo contigo en nuestra cobertura especial.
A su vez, el evento cuenta con una sección especial denominada “Carte Blanche”, donde se muestran avances exclusivos de diversas producciones animadas: Netflix, por ejemplo, transmitió la película de “A Whisker Away” antes de que llegara a su propia plataforma de streaming. En esta sección también se encuentra disponible un video sobre la producción de “The Willoughbys” así como un especial detrás de cámaras con el elenco de “Bojack Horseman” y un video detallando el trabajo de las mujeres involucradas en “Klaus”, una de las producciones animadas más destacadas recientemente que incluso resultó nominada en los Premios Oscar y los Premios Quirino de este año. En Industria Animación hemos decidido ser parte de este magno evento para cubrir algunos de los temas más importantes y hablarte del contenido que ofrece el Festival de Animación Annecy a lo largo de sus dos semanas de duración. El día de hoy comenzamos con la cumbre virtual del festival así como una de sus Masterclasses más importantes y la Liga Iberoamericana de Animación.
CUMBRE VIRTUAL: LAS MUJERES EN LA ANIMACIÓN
Hablando de la importante labor que llevan a cabo todas las mujeres en la industria creativa, el día de hoy da inicio la cumbre virtual del Festival de Animación Annecy. Es aquí donde también se habrán de discutir dos eventos que han influido en el mundo este año: la pandemia de coronavirus y la subsecuente contingencia sanitaria así como la creciente demanda por parte de la sociedad de justicia e igualdad. ¿Qué tiene que ver todo esto con la industria de animación? Ese es precisamente el enfoque de esta conferencia, ya que en la primera parte se busca plantear una cultura y ética de trabajo en el sector creativo que sea solidaria con todas las personas, independientemente de su sexo o raza.
¿Sabías que según el Gremio de Animadores, en 2015 el 60% de los estudiantes en la carrera de animación eran mujeres? Sin embargo, en promedio los hombres ocupan alrededor del 80% de los puestos en la industria animada. Por ejemplo, en Cartoon Network el porcentaje de mujeres en puestos creativos es del 33%, uno de los más altos en el sector gracias a sus distintas iniciativas para dar mayor representación al sexo femenino. Por otro lado, Dreamworks Animation tiene uno de los porcentajes más bajos, con tal solo el 14%. Y si eso te parece poco, deberías saber que las cifras son aún menores cuando mujeres de color se trata. Para ello, existen otras iniciativas como Black Women Animate, donde se busca brindar nuevas oportunidades para artistas de color que buscan tener mayor visibilidad así como producir contenidos que aporten diversidad en la manera que otras culturas son representadas en la industria creativa.
Para la segunda parte se hace notar la presencia de Marge Dean, jefa de estudio en Crunchyroll, la plataforma de streaming por excelencia para anime. Trabajando en los estudios de la empresa en Los Ángeles y Tokio, ella es la responsable del desarrollo de contenidos originales como Tower of God, Onyx Equinox y God of High School, entre otros. Anteriormente colaboró también en series como Robot Chicken para Adult Swim. Es también durante esta parte que se hablará sobre cómo los artistas se han adaptado a la situación actual en el mundo, ya sea continuando con el trabajo desde sus hogares e inclusive adaptando sus casas como un segundo estudio de animación.
MASTERCLASSES EN EL FESTIVAL DE ANIMACIÓN ANNECY:
EL ARTE DEL STORYBOARD EN CARTOON NETWORK
Cartoon Network ha sido un colaborador constante en el Festival de Animación Annecy a lo largo de los años, ya que inclusive series como Adventure Time, Steven Universe y El Increíble Mundo de Gumball han sido seleccionadas para aparecer en el evento. Ahora para la presente Masterclass, se cuenta con la participación de algunos de los artistas más renombrados en el estudio, entre ellos se destaca Julia Pott, quien es la responsable detrás de la serie animada de Summer Camp Island, misma que ha sido seleccionada para el Festival de Animación Annecy este año.
Iniciando en la industria creativa como una ilustradora para libros infantiles, Julia Pott se dio cuenta de que quería llevar las cosas al siguiente nivel y darle vida a sus dibujos, tras lo cual realizó su primer corto animado, “My First Crush”, el cual llegó a aparecer en la página principal de recomendaciones en Youtube, dándole mayor visibilidad a su obra y llamando la atención de varios profesionales. Tras regresar a la escuela para obtener su maestría en animación, Pott continuó realizando diversos cortos que incluso fueron seleccionados para aparecer en diversos festivales de cine. Posteriormente al mudarse a Los Ángeles se encontraría trabajando como escritora para Adventure Time, tomándose junto al resto del equipo alrededor de 2 años en tener listo el episodio piloto. En comparación, hoy en día puede producir alrededor de 40 episodios para Summer Camp Island en tan sólo un año, lo cual la ha convencido del enorme avance que se ha dado a través de los años en la producción de series animadas.
Por otro lado, la Masterclass también cuenta con la presencia de Mic Graves, escritor y director de El Increíble Mundo de Gumball. Este veterano de la industria comenzó siendo un interno para un estudio de animación, avanzando poco a poco hasta llegar a donde se encuentra hoy en día. Alabaster Pizzo, otra ponente en la Masterclass, es la encargada del storyboard para Summer Camp Island, además de tener 10 años de experiencia trabajando como caricaturista independiente. Es precisamente su labor como encargada de storyboard lo que le ha permitido mejorar también su trabajo en la elaboración de cómics, tanto artística como narrativamente. Por último tenemos a Chuck Klein, supervisor de producción en Apple & Onion; quien comenzó su carrera profesional como diseñador gráfico antes de pasar a hacer storyboards para anuncios publicitarios, eventualmente quedando en quiebra y sin empleo. Dibujando sin parar con tal de mejorar sus habilidades, finalmente consiguió un trabajo en la industria animada a los 34 años. Lo cual demuestra una vez más que la perseverancia y esfuerzo dan frutos.
Quizás al ver una serie animada por televisión no te des cuenta, pero lo cierto es que el proceso de storyboard es uno de los más importantes durante su producción: ya que esto representa el plano a seguir para todo lo que se necesita hacer posteriormente. Es también el primer paso en llevar las palabras del guión a un medio visual, que de ahí pasará a ser un animatic y finalmente una serie. Puede que para alguien que no conozca este proceso parezca un simple boceto, pero inclusive los bocetos del storyboard pasan por múltiples revisiones y ajustes antes de ser aprobados. Esto en ocasiones, puede provocar problemas entre los distintos artistas ya que no siempre se puede llegar a un acuerdo en común. Algunos, con justa razón, lo ven como un arte sin embargo no hay que dejar de estar conscientes que además es una herramienta que debe de ayudar a los animadores a llegar al resultado final. Por esto y en resumidas cuentas, no se debe tomar nada personal y hallar la manera de colaborar con el resto del equipo.
Mic Graves en su papel de director de una serie animada, explica su proceso: primero que nada le otorga una copia del guión a los artistas de storyboard, quienes harán el primer borrador visual en Toon Boom para después proponérselo y pasar por 3 a 5 revisiones junto al supervisor de animación. Esto ayuda a refinarlo al máximo y dar como resultado el mejor storyboard posible. Para Alabaster Pizzo, lo más interesante resulta en saber que las poses, movimientos, expresiones de los personajes y escenarios que finalmente se ven en una serie animada, comienzan siendo obra suya y que de alguna manera, sus decisiones influyen en el resto del proceso.
Julia Pott por su parte, comenta que su método favorito para hacer storyboard inicia con la tradicional técnica de lápiz, papel y notas de post it. Tras tener listo el borrador inicial, este se escanea y pasa a ser refinado mediante el programa de Storyboard Pro. De esta manera se mantiene la fluidez y versatilidad de los trazos originales en lápiz pero teniendo el acabado profesional de un medio digital, lo cual ayuda enormemente a los demás involucrados en el proceso. Curiosamente para Chuck Klein, quien tiene la experiencia de trabajar tanto con medios tradicionales como digitales, la elección es clara: todo es más fácil y práctico al trabajar en computadora con Storyboard Pro. ¿En cuanto a la metodología implementada por Mic Graves? Es verdad que los artistas de storyboard en El Increíble Mundo de Gumball trabajan en Toon Boom, sin embargo, a la hora de presentar la propuesta se lleva una copia impresa, sobre la cual Mic pone sus ajustes mediante notas de post it. Así que nuevamente tenemos ambos métodos aplicados durante el proceso.
Te preguntarás, ¿cuál es el mayor reto durante un proyecto de storyboard? Para Julia Pott es el saber manejar los tiempos necesarios para completarlo antes de la fecha de entrega. En ocasiones, los artistas se quedan enfrascados trabajando en una sola porción del storyboard y después no tienen el tiempo necesario para completar el resto adecuadamente. En otras ocasiones, comienzan dibujando las partes que más le divierten del guión, dejando al último las que no les llaman tanto la atención y dando como resultado que no se complete en ocasiones. Por eso recomienda siempre ir forzosamente de inicio a fin a un ritmo adecuado. No te detengas, sigue trabajando y completa el storyboard para que después si te sobra el tiempo, puedas darle una revisión y pulir las partes que consideres necesarias. Para Alabaster Pizzo, algo que puede ser de gran ayuda es dividirlo en secciones y saber exactamente cuánto es el mínimo que tienes que ir avanzando cada día. Añade también que trabajando en Storyboard Pro, naturalmente el proceso se hace más rápido.
Sin embargo, hay otras consideraciones especiales que debes tener en cuenta si tu proyecto de storyboard es para una serie de comedia. En opinión de Mic Graves, no puedes lucirte mucho con tus dibujos en casos así, puesto que si se le presta demasiada atención a los personajes, los escenarios y demás detalles, se pierde de vista el chiste o mensaje cómico para dicha escena. En su experiencia, mientras más sencillo es mejor. En esto concuerda Pizzo, quien asegura que es innecesario agregar demasiados detalles. Incluso en ocasiones decide reutilizar el mismo escenario, lo cual también ahorra tiempo y trabajo para el resto del equipo encargado de llevar a cabo la animación. Y algo que puede ser útil en todos los proyectos, sean de comedia o no, es tener muchas referencias visuales de otros storyboards para conocer la manera en que los demás artistas trabajan y han logrado resolver distintas situaciones.
¿Qué es lo que hace genial a un storyboard? En opinión de Pizzo, lo primero es que te familiarices con los personajes que habrán de aparecer. Denes conocerlos casi a un nivel personal para entender cómo van a reacciones en diversas situaciones y cómo interactúan entre ellos. Después de todo, hay un mundo de diferencia cuando puedes notar que el artista de storyboard disfruta trabajar en una historia y sus personajes. ¿Pero qué pasa si es una nueva historia y no sabes cómo reaccionarían los personajes? El consejo de Chuck Klein es que actues la escena tú mismo, muevas tu cuerpo y pruebes con distintas expresiones frente a un espejo para encontrar las que mejor se adecuen a cada escena. Y de nuevo, ¡busca referencias de otros artistas! Para Mic Graves, lo importante es leer varias veces un guión hasta estar seguro de entenderlo y después poderlo resumir a sus elementos más importantes. De esta manera te concentras en solo lo esencial y no pasarás tanto tiempo retrabajando cuando inevitablemente lleguen correcciones y ajustes. Por supuesto, otro consejo útil es que dediques un tiempo a practicar y dibujar constantemente los personajes.
Finalmente, ¿qué hacer para triunfar como artista de storyboard? Aquí tenemos consejos sencillos pero útiles por parte de los 4 artistas ponentes. Julia Pott comenta que debes estar involucrado en el proceso, realmente estar dispuesto a dar lo mejor de ti, aceptar sugerencias y críticas constructivas y hallar la manera de cómo ayudar a hacer que el trabajo salga de manera fluida. Ser organizado y puntual puede ser mucha ayuda, puesto que la gente tendrá más confianza en tu trabajo y estarán dispuestos a abrirte la puerta y colaborar contigo. Chuck Klein por su parte, dice que no te limites a hacer lo mínimo para cumplir con lo que te han solicitado. Pon algo más de tu creatividad, da el extra y haz lo que sea necesario para que los personajes realmente parezcan que son reales, con personalidades, sentimientos y formas de ser únicas. Alabaster Pizzo lo resume de una manera muy sencilla: si vas a trabajar en computadora, recuerda guardar tus avances frecuentemente. Suena lógico y obvio pero ella admite que en varias ocasiones le ha pasado que se va la luz después de todo un día de trabajo, perdiendo valiosas horas de avance que debe volver a comenzar.
Para concluir, Mic Graves habla sobre la increíble libertad que se tiene al trabajar en storyboard. Claro, hay un guión de por medio que debe usarse como base, pero tienes completa libertad de crear cosas, plasmar personajes, escenarios y demás de la manera que tu creatividad dicte. Y saber que al final del día, todo lo que se ve en una serie animada está basado en lo que dibujaste en tu storyboard, es una sensación de satisfacción sin igual. Por supuesto, no es tan fácil cuando hay cambios de guión y tienes que rehacer todo el proceso, pero nuevamente insiste, al final del día todo vale la pena.
LA LIGA DE LA ANIMACIÓN IBEROAMERICANA PRESENTE EN EL FESTIVAL DE ANIMACIÓN ANNECY
¡Iberoamérica se hace presente en el Festival de Animación Annecy! Aunque este importante evento tendrá lugar el próximo jueves 18 de junio, hoy se han dado a conocer las producciones que formaran parte de esta sesión especial. Además si eres acreedor del Acceso Mifa podrás reservar una junta con todos los líderes en cada uno de los proyectos. Esta selección oficial representa lo mejor del talento iberoamericano en cuanto a producciones para cine y televisión, procedentes de distintos países como Chile, Argentina, Brasil y España. Además cabe destacar que cuenta con la colaboración de otros festivales importantes en la región, como lo son Pixelatl, Ventana Sur Animation y Los Premios Quirino.
CODA: Película dirigida por Juan Pablo Zaramella. Producción en colaboración de Chile y Argentina.
Nina es una pequeña ratoncita que vive junto a los demás de su especie en una aldea subterránea, la cual es gobernada por una dura tiranía. A pesar de creer que el mundo está limitado a únicamente lo que su vista alcanza a percibir, un día toma la decisión de escapar de su aldea. Es así que llega a CODA, un lugar colorido habitado por conejos blancos y esponjosos. Estos la rechazan al no ser una de ellos, sin embargo, un conejo tímido de nombre Lucas la ayudará a comenzar una nueva vida.
O Reino Dos Pássaros: Película dirigida por Wesley Rodrigues. Producción animada en 2D de Brasil.
El imponente Rey Pájaro gobierna sobre una una tierra plagada de guerras, habitada por extraños hombres que pueden transformarse en aves de rapiña. Cuando el hermano del Rey lo asesina en un intento por apoderarse de la corona, el reino cae aún más en la violencia. Sete Penas, el único hijo del rey y heredero legítimo al trono, hará lo que sea con tal de vengar la muerte de su padre, aún si para lograrlo debe despertar su lado más oscuro.
Pipas: Serie de televisión dirigida por Bruno Bask. Producción animada en 3D de Brasil.
Un mundo donde el cielo es real y el suelo es solo parte de la imaginación. Al igual que los niños exploran todo a su alrededor en la Tierra, los pequeños cometas exploran su propio mundo en el cielo. A través de diferentes colores y formas, aprenderán juntos que volar los llevará más lejos si lo hacen con alegría, amistad y mucha imaginación.
Primeras: Serie de televisión dirigida por Bambú Orellana. Producción animada en 2D de Chile.
Esta es una antología que cuenta la historia de diversas mujeres latinoamericanas que fueron pioneras en sus logros y carreras, todas ellas de diferentes campos del conocimiento y la cultura que, hasta ese momento, habían estado reservadas exclusivamente para hombres. Estas mujeres, descontentas con el mundo con el que estaban lidiando, lograron cambiar la historia.
Winnipeg, el barco de la esperanza: Película dirigida por Elio Quiroga. Producción animada en 2D y 3D en colaboración de Chile, España y Francia.
La guerra civil española había terminado y más de 500,000 personas habían decidido dejar el país para ir a refugiarse a Francia. Otros, sin embargo, optaron por mudarse a Chile, donde inclusive el aclamado poeta Pablo Neruda intentó salvar a la mayor cantidad de refugiados posible. Es así que conoceremos a Julia, quien en compañía de su padre aborda el Winnipeg, un barco con destino a Chile. De esta manera terminará en convertirse en una más de los “hijos de Neruda”, junto a los 2,200 refugiados que llegaron con el mismo propósito.
Con información del Festival de Animación Annecy.
